medienkunst e.V.
Verein für zeitgenössische Kunst mit neuen Medien
Der medienkunst e.V. - Verein für zeitgenössische Kunst mit neuen Medien (mkv) wurde 2016 von einer Gruppe Künstler*innen, Kurator*innen und Wissenschaftler*innen gegründet, die sich für die Stärkung der Video- und Medienkunst in der Berliner Kulturlandschaft einsetzen. Der Zusammenschluss dient als Plattform und Netzwerk für Künstler*innen, Kurator*innen und Wissenschaftler*innen sowie Institutionen und Initiativen zur Entwicklung und Förderung zeitgenössischer Medienkunst.
In unserer medialisierten Gesellschaft spielt ein kompetenter Umgang mit Medien und deren Reflexion eine zentrale Rolle. Kunst als Spiegel des Zeitgeistes reflektierte schon immer das gegenwärtige Geschehen. Zeitgenössische Kunst mit neuen Medien fordert eine direkte Auseinandersetzung mit dem digitalen Zeitalter auf inhaltlicher, formaler und technologischer Ebene. Im Rahmen dieses Schwerpunktes schaffen wir mit öffentlichen Veranstaltungen wie Ausstellungen oder Gesprächsrunden wichtige Impulse und Zugänge, die eine grundlegende Konfrontation mit den Medien selbst und dessen kritische Reflexion ermöglichen.
Mit dem Fokus auf neue Medien schließt der mkv eine Lücke zwischen kommerziellen Sammlungen und Institutionen, die sich den neuen, digitalen Medien gegenüber nur bedingt öffnen. Als gemeinnütziger Verein fördern wir experimentelle Ausstellungssituationen und Kommunikationskanäle, suchen und testen neue Ausdrucks- sowie Erfahrungsräume für Medienkunst. Im Sinne eines Denkens außerhalb klassischer Präsentationen stoßen wir auf diese Weise medienrelevante Diskurse an und schaffen Räume für künstlerische Forschungs- und Vermittlungsaktivitäten, die für die Zukunft elementar sind. So entsteht ein vielschichtiger Zugang zur Medienkunst, der das Medienverständnis schärft, eine ästhetische Erfahrung mit Medienkunst ermöglicht und deren Sichtbarkeit verstärkt.
Zu den Gründungsmitgliedern gehören Ana Baumgart, Manja Ebert, Lena von Geyso, Steffen Köhn, Sonja Longolius, Kristina Paustian, Elisabeth Pichler und Franz Reimer.
Seit März 2017 ist der medienkunst e.V. als gemeinnützig anerkannt.
medienkunst e.V. - Verein für zeitgenössische Kunst mit neuen Medien (mkv - association for contemporary art with new media) was founded in 2016 by a group of artists, curators and researchers with an interest in supporting video and media art in Berlin's cultural scene. Serving not only artists, curators and researchers, but also institutions and initiatives, it is a network and platform active in developing and promoting contemporary media art.
In our media-driven society, competent interactions with media are crucial, as is critically engaging with our interactions. Art is a mirror of contemporary society, and has always reflected current events. Contemporary art with new media calls for a direct confrontation with our digital age that takes content, form, technology and aesthetics into account. Through mkv, we are interested in cultivating an awareness of the centrality of media and its sociocultural significance in our daily lives. With this purpose in mind, we generate essential impulses and stimuli through public events such as exhibitions, screenings and panel discussions. These facilitate a fundamental encounter with media while encouraging critical reflection. In order to create as diverse a platform as possible, mkv not only liaises with media specialists but also brings together those with an active interest in media and art.
With its focus on new media, mkv bridges the gap between commercial collections and cultural institutions in Berlin that are as yet only partially open to new and digital media. As a non-profit organisation, we promote experimental exhibitions and communication channels that provide various media with adequate space to explore modes of representation. In doing so, we source out and test new forms of expression in and experiences of media-based art. Driven by a philosophy that thinks outside the box of classical representation, we initiate media-relevant discourses and give space to artistic research and exchange, which have a fundamental impact on the future.
mkv fosters a complex approach to media art that intensifies an understanding of media and facilitates aesthetic experiences with media art while increasing its visibility among the public.
Founding members are Ana Baumgart, Manja Ebert, Lena von Geyso, Steffen Köhn, Sonja Longolius, Kristina Paustian, Elisabeth Pichler und Franz Reimer.
Since March 2017 the medienkunst e.V. is recognized as a charitable organization.
Dovile Aleksaite, Weather in Me / Fear, 2019 © the artist
Dovile Aleksaite, Hypnosis session © the artist
Dovile Aleksaite, On Counting © the artist
Dovile Aleksaite, Weather in Me / Fear, 2019 © the artist
Dovilė Aleksaitė, Künstlerin / artist
Dovilė Aleksaitė ist eine litauische bildende Künstlerin, die mit Video, Fotografie und Performance arbeitet. Ihre Praxis beschäftigt sich mit Fragen der anthropozentrischen Weltanschauung, Vorstellungen von Emotionen und Natur, menschlichem vs. nicht-menschlichem Bewusstsein. Ihre Arbeiten wurden in Gruppenausstellungen unter anderem in der AdK Berlin, im HKW Berlin und im Deutschen Haus New York gezeigt. Sie studierte Kunst und Medien an der UdK Berlin und zurzeit lebt und arbeitet in Berlin.
Dovilė Aleksaitė is a Lithuanian artist, working with video, photography and performance. Her practice explores the questions of anthropocentric worldview, notions of nature and time, emotions and human vs. non-human consciousness. Her works were presented in group exhibitions at the AdK Berlin, at HKW, and New York German House among others. She has been studying Art and Media at UdK Berlin, and currently lives and works in Berlin.
Jonas Blume, Predictive Biography © Jonas Blume
Jonas Blume, Monument to the 52-Hertz Whale © Jonas Blume
Jonas Blume, OK GOOGLE, WHO AM I? © the artist
Jonas Blume, Predictive Biography © Jonas Blume
Jonas Blume, Künstler / artist
Jonas Blume ist ein in Berlin lebender Künstler, der in Videoinstallation, Digitalcollage und Online-Performance arbeitet. Seine Arbeiten beschäftigen sich mit der Überschneidung von Virtualität und Realität. Er erforscht amorphe Manifestationen von Identität, Persönlichkeit, Community und Sozialität im Internet in unterschiedlichen Online-Kontexten, und speziell wie daraus Formen von anonymer Empatie und emotionaler Verbundenheit entstehen.
Jonas Blume is a conceptual artist based in Berlin. His work is concerned with the intersection of virtuality and reality. He explores fluid manifestations of identity, personality, community and sociality across various online platforms and contexts, and how empathy and emotional connection may be generated through anonymity. He works in projection-based installation, digital collage, video and online performance.
Matias Brunacci, Virtualshamanism © Matias Brunacci
Matias Brunacci, New Age Of Swarms © Matias Brunacci
Matias Brunacci, No Return Policy © Matias Brunacci
Matias Brunacci, Virtualshamanism © Matias Brunacci
Matias Brunacci, Medienkünstler / new media artist
Matias Brunacci ist ein Künstler für Neue Medien. Er wurde in Buenos Aires geboren und lebt in Berlin. Er erhielt einen Master-Abschluss in New Media Art an der Universität der Künste in Buenos Aires (UNA) und schloss sein Studium in Generativer Kunst und Computational Art an der UdK Berlin ab. Seine Arbeit nimmt verschiedene Formen an, von audiovisuellen Performances bis zu Multimedia-Installationen, die ihre Effekte verstärken und mischen, um neue digitale Erfahrungen und Phänomene zu schaffen.
Matias Brunacci is a New Media Artist born in Buenos Aires and based in Berlin. He received a Master degree in New Media Art at the Buenos Aires University of Arts -UNA- in Argentina, finishing his studies in Generative and Computational Art at the Berlin University of Arts -UdK- in Germany. His work takes on multiple forms, ranging from audiovisual performances to multimedia installations, amplifying and mixing their effects to create new digital experiences and phenomena.
Yvon Chabrowski, FACIAL EMOTIONS ONE TO SIX AND A TO F © Yvon Chabrowski
Yvon Chabrowski, FACIAL EMOTIONS ONE TO SIX AND A TO F © Yvon Chabrowski
Yvon Chabrowski, FACIAL EMOTIONS ONE TO SIX AND A TO F © Yvon Chabrowski
Yvon Chabrowski, FACIAL EMOTIONS ONE TO SIX AND A TO F © Yvon Chabrowski
Yvon Chabrowski, Bildende Künstlerin / visual artist
YVON CHABROWSKI, geboren in Ost-Berlin, studierte Fotografie an der HGB Leipzig bei Timm Rautert und Florian Ebner sowie freie Kunst an der École nationale supérieur des beaux-arts Lyon. Sie absolvierte die Meisterklasse bei Peter Piller. In ihren Arbeiten beschäftigt sie sich mit medialen Bildformeln, die sie aus ihrem Kontext herauslöst und dadurch sowohl verfremdet als greifbar macht. Ihre Arbeiten vermitteln ein Bewusstsein für die Grammatik und das Eigenleben allgegenwärtiger Medienbilder.
YVON CHABROWSKI, born in East-Berlin, studied photography with Timm Rautert und Florian Ebner at the Academy of Fine Arts Leipzig and the École nationale supérieur des beaux-arts Lyon. She graduated from Peter Piller’s master class. Her work deals with the visual formulas of contemporary media, which she decontextualizes, making them tangible by creating a reflexive distance. Her works thus create awareness for the grammar and independent existence of omnipresent media images.
Patricia Detmering, pipe dream © Patricia Detmering
Patricia Detmering, form and void © Patricia Detmering
Patricia Detmering, cat state © Patricia Detmering
Patricia Detmering, pipe dream © Patricia Detmering
Patricia Detmering, Künstlerin / artist
Detmering kombiniert persönliche Erinnerungen mit künstlerischen Mitteln und philosophischen Referenzen zu komplexen Medieninstallationen. Sie verwendet dafür digitale Medien wie 3D Animationen und Live Simulationen, die oft in immersiven Umgebungen gezeigt werden, die aus gefundenen Objekten, Skulpturen, Gemälden und Zeichnungen bestehen, die in das übergreifende Narrativ der Installation involviert werden. In ihren jüngsten Arbeiten versucht sie die feine Linie zwischen digitaler und analoger Welt zu verwischen in dem sie beide an den Rand ihrer Auflösung treibt. Auf ihrer Suche nach unbekannten Erzählweisen beschäftigt sie sich aktuell mit Virtual Reality in Kombination mit Künstlicher Intelligenz.
Detmering combines personal memories with artistic means and philosophical references to create complex media installations. She uses digital media such as 3D animations and live simulations, often shown in immersive environments consisting of found objects, sculptures, painting and drawings, that are rendered complicit within the overall narrative of the installation. In her recent work she tries to blur the fine line between the digital and analog worlds by pushing both to the edge of dissolution. In her search for unknown narratives, she is currently working with virtual reality in combination with artifical intelligience.
Jana Doell, And They Lived Happily Ever After © Jana Doell
Jana Doell, Schutzraum © Jana Doell
Jana Doell, Magic Limbo © Jana Doell
Jana Doell, And They Lived Happily Ever After © Jana Doell
Jana Doell, Künstlerin und Kulturwissenschaftlerin / artist and cultural scientist
Jana Doell verarbeitet Eindrücke aus Tanz, Theater, youtube, Sozialwissenschaften, Spiritualität, neuem alten Wissen und Alltagssituationen in Videos und anderen Materialien. Im Zentrum stehen stets der Mensch und die Gesellschaft mit all ihren psychosomatischen Aspekten, Rollen, Handlungen, psychologischen Spielen, Machtverhältnissen, Wünschen und Ängsten – von innen und von außen betrachtet. Das Ergebnis ist oft collagiert: in der Herangehensweise, im Genre, oder in der Materialität.
Jana Doell works with video and other material: Drawing inspiration from dance, theatre, youtube, social sciences, spirituality, new ancient wisdom and plain everyday situations, she explores the psychosomatic aspects of society and it's individuals. The human species with its roles, actions, psychological games, power relations, desires and fears lies at the core of her research – both from within and from without. The result is often a collage: of approaches, of genres, or of materials.
Manja Ebert, I'll be there © Manja-Ebert
Manja Ebert, sleepingsquad © Manja Ebert
Manja Ebert, Sour Candy © Manja Ebert
Manja Ebert, I'll be there © Manja-Ebert
Manja Ebert, Medienkünstlerin / media artist
Manja Ebert studierte Visuelle Kommunikation und Kunst und Medien an der Universität der Künste Berlin. 2018 wurde sie an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig zur Meisterschülerin von Candice Breitz ernannt. In ihren Arbeiten untersucht sie digitale Gegenwartsphänomene und überführt diese in den physischen Raum. Ihr Fokus liegt auf medialen Spiegelsituationen, Repräsentation und Selbstgenerierung durch Technologie. Neue Medien und das Internet als Kommunikationsplattform spielen eine wichtige Rolle ihrer Untersuchung, als Blick auf gesellschaftliche und soziale Dynamiken, mit Fokus auf eine sich verändernde Medienethik. Manja Eberts meist raumgreifenden Installationen werden international ausgestellt, u.a. im Harvard Art Museum, Centre Pompidou Paris, Kunstraum Kreuzberg / Bethanien, Kunstverein Wolfsburg, Goethe-Institut Toronto, Athens Digital Arts Festival.
Manja Ebert studied Visual Communication and Art and Media at the Berlin University of the Arts. In 2018, she was appointed master student of Candice Breitz at the Braunschweig University of Art. In her works she investigates digital contemporary phenomena and transfers them into physical space, with a focus on media reflections, representation and self-generation through technology. New media and the Internet as a communication platform play an important role in her investigation, as a mediation of societal and social dynamics, with a focus on a changing media ethic. Manja Eberts spacial installations are shown internationally, including at Harvard Art Museum, Centre Pompidou Paris, Kunstraum Kreuzberg / Bethanien, Kunstverein Wolfsburg, Goethe-Institut Toronto, Athens Digital Arts Festival.
Benjamin Egger, Un Natural Surrogates © PKKB
Benjamin Egger, Holes © Benjamin Egger
Benjamin Egger, queer AND BEYOND [choose category] © BenjaminEgger
Benjamin Egger, Un Natural Surrogates © PKKB
Benjamin Egger, Medienwissenschaftler und Kurator / media scientist and curator
Benjamin Egger forscht und lehrt als Medienwissenschaftler an der Fachhochschule Potsdam mit Fokus auf Digitalität, Queer Theory und Kulturelle Bildung. In seiner Dissertation an der Leuphana Universität Lüneburg analysiert er Praktiken postdigitalen Kuratierens mit Blick auf ihre queeren Potentiale. Zuletzt gab er bei Springer den Band „Transdisziplinäre Begegnungen zwischen postdigitaler Kunst und Kultureller Bildung“ heraus. Er ist zudem als freier Kurator tätig und unterstützt Kunst-Sammler*innen wie Galerist*innen beratend in kuratorischen und administrativen Angelegenheiten (aktuell: Wannsee Contemporary). Queer-digitale Künste und Themen bilden auch den Schwerpunkt seiner kuratorischen Arbeit (zuletzt: „un/natural surrogates“, online; „queer AND BEYOND [choose category]“, feldfünf; „Holes“, Altes Finanzamt).
Benjamin Egger is a researcher and lecturer at the University of Applied Sciences Potsdam in the field of media studies and with a focus on digitality, queer theory and cultural education. In his doctoral thesis at Leuphana University Lüneburg, he investigates practices of post-digital curating with regard to their queer potentials. Most recently, he edited the anthology "Transdisziplinäre Begegnungen zwischen postdigitaler Kunst und Kultureller Bildung [Transdisciplinary Encounters between Postdigital Art and Cultural Education]". Furthermore, he works as a freelance curator and supports art collectors as well as gallerists in curatorial and in organizational matters (currently: Wannsee Contemporary). Queer digital arts and topics also represent the focus of his curatorial work (most recently: "un/natural surrogates", online; "queer AND BEYOND [choose category]", feldfünf; "Holes", Altes Finanzamt).
Hagar Elazari, Waldweg Im Herbst © Hagar Elazari
Hagar Elazari, Meteo Generative © Hagar Elazari
Hagar Elazari, Arabesque © Hagar Elazari
Hagar Elazari, Waldweg Im Herbst © Hagar Elazari
Hagar Elazari, Künstlerin, Designerin / artist, designer
Beeinflusst von natur- und sozialwissenschaftlichen Themen, steht bei Hagar Elazari die Erfahrung im Mittelpunkt ihrer Arbeit. Sie nutzt eine Mischung aus Technologie und Kunsthandwerk, um ihre Objekte und Installationen zu schaffen. Elazari ist daran interessiert, mit mehreren Sinnen zu arbeiten, und plant für zukünftige Arbeiten die Integration von Klang, Duft und Taktilität.
Influenced by natural and social science themes, what stands at the core of Hagar Elazari´s work is the experience. She uses a mixture of technology and crafts to create her objects and installations. Elazari is interested in working on multiple senses, and intends future works to incorporate sound, scent, and tactility.
Ornella Fieres, As if we are passing though tunnels © Marcus Schneider
Ornella Fieres, Reseaux Mondes © Bertrand Prévost
Ornella Fieres, On Guard / The Alchemist / Behind the Lens © Marcus Schneider
Ornella Fieres, As if we are passing though tunnels © Marcus Schneider
Ornella Fieres, Künstlerin / artist
Ornella Fieres' Arbeit erforscht die verborgenen Aspekte digitaler Technologien und untersucht, was passiert, wenn Daten in Maschinen umgewandelt werden, die uns obskur oder sogar autonom erscheinen. 2012 schloss sie ihr Studium an der HfG Offenbach mit Auszeichnung ab. Seitdem wurden ihre Multimedia-Installationen international ausgestellt, u.a. im Centre Pompidou Paris, der School of the Art Institute of Chicago, dem Goethe Institut Toronto, dem Literaturhaus Berlin, der NurtureArt Gallery New York, dem Kunstverein Speyer und dem Fotografie Forum Frankfurt. Sie hielt Vorträge an der Volksbühne Berlin, dem Haus am Lützowplatz Berlin, der HfG Offenbach und am New Lab New York, wo sie 2017 einen Forschungsstipendium absolvierte. Sie ist Doktorandin an der Hochschule für Gestaltung Offenbach und forscht zu den okkulten Aspekten digitaler Medien. Sie wird von Sexauer Gallery Berlin und Signs & Symbols New York vertreten und ist Vorstandsmitglied des SALOON Networks.
Ornella Fieres’ work explores the hidden aspects of digital technologies and examines what happens when data is transformed within machines that seem obscure, or even autonomous to us. She has graduated with honors from HfG Offenbach in 2012. Since then her multimedia installations have been exhibited internationally, e.g. at Centre Pompidou Paris, the School of the Art Institute of Chicago, Goethe Institut Toronto, Literaturhaus Berlin, NurtureArt Gallery New York, Kunstverein Speyer and Fotografie Forum Frankfurt. She has given lectures and presentations at Volksbühne Berlin, Haus am Lützowplatz Berlin, Hochschule für Gestaltung Offenbach and at New Lab New York, where she had a research residency in 2017. She is a PhD candidate at the Hochschule für Gestaltung Offenbach (Art and Media Science) researching on the occult aspects of digital media. She is represented by Sexauer Gallery Berlin and Signs & Symbols New York and is a board member of the SALOON network.
Gertrūda Gilytė, Successful Art Project, © Gertrūda Gilytė
Gertrūda Gilytė, Successful Art Project, © Gertrūda Gilytė
Gertrūda Gilytė, Magic, © Gertrūda Gilytė
Gertrūda Gilytė, Successful Art Project, © Gertrūda Gilytė
Gertrūda Gilytė, Künstlerin / artist
Gertrūda Gilytė ist eine litauische Künstlerin, deren Arbeit um das Thema „Persönlichkeitsentwicklung als performative Praxis“ kreist. Performativ meint hier einerseits „performance art“, anderseits Performing, um auf eine bestimmte Art zu erscheinen. In ihrer Arbeit versucht sie nicht nur, eine kritische Distanz zu dieser Form der Performativität und den kommodifizierten Mechanismen der Selbstverbesserung und Glücksmaximierung zu bewahren, sondern sich auch ihren positiven Seiten künstlerisch zu nähern.
Gertrūda Gilytė is a Lithuanian artist working with the topic of ‘personal development as a performative practice’. Performative here means two things - one as in ‘performance art’ and the second - performing in order to appear a certain way. In her practice she tries not only to remain critical towards this type of performativity and the commodified self-improvement & happiness-creating tools but also to artistically research the positive sides of them.
Franziska Harnisch, Facebnb © Franziska Harnisch
Franziska Harnisch, Kumpel, Lieblingsmenschen, Beste Freunde © Franziska Harnisch
Franziska Harnisch, Komm nicht vom Weg ab @ Franziska Harnisch
Franziska Harnisch, Facebnb © Franziska Harnisch
Franziska Harnisch, Künstlerin / artist
In meiner künstlerischen Arbeit bediene ich mich Mitteln der artistic research und lote dabei Möglichkeiten für die Kombination partizipativer, interaktiver Kunst mit performativen Gesten und Neuen Medien aus. In vielen meiner Arbeiten spielen Übertragungsmuster, der Begriff von Autorschaft und eine gewisse unkontrollierbare Handlungsentwicklung eine Rolle. Dabei spiele ich mit einem erweiterten Performancebegriff und bewege mich zwischen der Vermischung von digitalem, virtuellem und analogem Raum. Die Begriffsfolge „Codierung, Interaktion, Experiment“ beschreibt meine Arbeitsweise recht passend. Ich arbeite oft mit Open Calls, einer kuratorischen Strategie, und stecke Handlungsrahmen für partizipative Interaktionen ab. Ich bin der Auffassung, dass künstlerische Arbeit von Prozessualität und dem Interagieren in einer oder mehreren bestimmten, nicht ausschließlich 'kunstnahen' Öffentlichkeit(en) lebt und sich auch nur dadurch entwickeln kann. Kunst findet nicht im White Cube statt.
In my artistic work I use strategies of artistic research and explore possibilities for the combination of participatory, interactive art with performative gestures and new media. In many of my works, patterns of transference, the concept of authorship, and a certain uncontrollable development of action matter. Thereby I play with an expanded concept of performance and move between the intermingling of digital, virtual and analog space. The term "coding, interaction, experiment" describes my working method quite aptly. I often work with open calls, a curatorial strategy, staking out frames of action for participatory interactions. I believe that artistic work thrives on processuality and interacting in one or more specific, not exclusively 'art-related' publics, and can only develop through this. Art does not take place in a white cube.
Mohsen Hazrati, Tey Al Tool © Mohsen Hazrati
Mohsen Hazrati, QQQ © Mohsen Hazrati
Mohsen Hazrati, Tay AR © Grafikenshus, Protoworld app
Mohsen Hazrati, Tey Al Tool © Mohsen Hazrati
Mohsen Hazrati, Künstler / artist
Mohsen Hazrati (geb. 1987 in Shiraz, Iran) lebt und arbeitet in Berlin. Er schloss 2012 sein Studium in Grafikdesign am Shiraz Art Institute of Higher Education mit den Nebenfächern Neue Medien und Digitale Kunst ab. Seine Arbeiten beschäftigen sich mit Literatur und digitalen Technologien und wurden auf verschiedenen Konferenzen präsentiert, wie z. B. an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart, am IAM-Wochenende in Barcelona, an der EVA und der UCL in London, an der Elo University of Central Florida, bei TEDx Mollasadra St. und in Ausstellungen des Grafikenshus Museums, PeertoSpace, RadianceVR, Espronceda, synthesis, Triennale Kleinplastik Fellbach, Transfer gallery, etc. Seit 2013 ist er in Zusammenarbeit mit Milad Forouzande Mitbegründer und Kurator des "Dar-AlHokoomeh Project", einem Projekt und einer Aktivität für neue Medienkunst in Shiraz, Iran.
Mohsen Hazrati (b. 1987 in Shiraz, Iran) lives and works in Berlin. He graduated with a BA in graphic design from Shiraz Art Institute of Higher Education in 2012, minoring in new media and digital art. His works focus on Literature and digital technologies and have been presented in various conferences such as; State Academy of Fine Arts in Stuttgart, IAM weekend Barcelona, EVA, and UCL mal London, Elo University of Central Florida, TEDx Mollasadra St, and exhibitions by Grafikenshus museum, PeertoSpace, RadianceVR, Espronceda, synthesis, Triennale Kleinplastik Fellbach, Transfer gallery, etc. Since 2013, in collaboration with Milad Forouzande, he has been the co-founder and curator of “Dar-AlHokoomeh Project”; a new media art project and activity, based in Shiraz, Iran.
Daniel Hengst, skip the line entrance © Daniel Hengst
Daniel Hengst, movement and change © Clemens_Mueller
Daniel Hengst, Videoinstallation Deutsches Theater © Arno Declair
Daniel Hengst, skip the line entrance © Daniel Hengst
Daniel Hengst, Künstler / artist
Daniel Hengst ist Medienkünstler und arbeitet mit Video, Code und Sound. Seine Arbeiten wurden und werden u.a. am Deutschen Theater Berlin, Theater Dortmund und ACC Gwangju (Südkorea) gezeigt. Neben seiner performativen Arbeiten sind Kunstwerke in virtueller Realität, Video- und Sound-Installationen/Performances, künstlerische Forschungsprojekte und Webprojekte entstanden und gezeigt worden. Seine Arbeiten beschäftigen sich häufig mit Natur und dem gesellschaftsverändernden Potenzial digitaler Technologien.
Daniel Hengst is a media artist working with video, code and sound. His works have been and are still being shown, f.e. at Deutsches Theater Berlin, Theater Dortmund, and ACC Gwangju (South Korea). In addition to his performance-related work, artworks in virtual reality, video- and sound-installations/-performances, artistic research projects and web projects have been created and presented. His works deal often with nature and the society-changing potential of digital technologies.
Kathrin Hunze, SINGULARIS, Performance © Kathrin Hunze
Kathrin Hunze, SINGULARIS, Performance © Kathrin Hunze
Kathrin Hunze, Training Your Best Friend: Eine Wesensprüfung © Thomas Hack
Kathrin Hunze, SINGULARIS, Performance © Kathrin Hunze
Kathrin Hunze, Medienkünstlerin / media artist
Kathrin Hunze arbeitet als Medienkünstlerin an den Schnittstellen verschiedener Inszenierungsformen im Kontext des bewegten Bildes. Ihre künstlerische Forschung konzentriert sich auf die Untersuchung von Prozessen und Mechanismen neuer Technologien und deren Auswirkungen in komplexen Systemen. Sie studierte Design an der HAW Hamburg und Medienkunst an der UdK Berlin wo sie ihr Studium als Meisterschülerin in generativer Kunst und experimenteller Film absolvierte. Sie lebt und arbeitet in Berlin.
Kathrin Hunze works as media artist at the intersections of different forms of staging in the context of the moving image. Her artistic research focuses on the exploration of processes and mechanisms of new technologies and their effects in complex systems. She studied design at HaW Hamburg and media art at UdK Berlin where she graduated with a 'Meisterschülerin' degree in generative art and experimental film. She lives and works in Berlin.
KOSEZ © Kathrin Tschirner
Recreation @ Lena von Geyso
Schichten © Katrin Streicher
KOSEZ © Kathrin Tschirner
Kein Ort, sondern ein Zustand (Lena von Geyso & Elisabeth Pichler) Kuratorinnenkollektiv / curatorial collective
Als kuratorisches Kollektiv realisieren wir interdisziplinäre Projekte und Ausstellungen, die künstlerische, medienwissenschaftliche und publizierende Praktiken miteinander verbinden. Unser Fokus liegt auf aktuellen gesellschaftspolitischen Themen und Diskursen an der Schnittstelle von Feminismus, Erinnerungsökonomien und aktuellen Arbeitsverhältnissen. Unsere Praxis zeichnet sich durch ein breites Spektrum künstlerischer Perspektiven, medialer Diversität sowie performativer und diskursiver Formate aus.
The curatorial collective Kein Ort, sondern ein Zustand realizes interdisciplinary projects and exhibitions that combine artistic, media-scientific and publishing practices. Our focus lies on current socio-political topics and discourses at the interface of feminism, remembrance economies and current employment relationships. We involve a wide range of artistic perspectives, medial diversity, performative and discursive formats, and edit publications in order to expand and contextualize exhibitions.
Bianca Kennedy, The Big No & Bath The Pain Away, exhibition view Galerie Russi Klenner © the artist
Bianca Kennedy, We`re all in this together, exhibition view Kunstsaele Berlin © defimage
Biance Kennedy, VR all in this together, exhibition view CCBB Sao Paulo © the artist
Bianca Kennedy, The Big No & Bath The Pain Away, exhibition view Galerie Russi Klenner © the artist
Bianca Kennedy, Künstlerin / artist
Bianca Kennedy (geb. 1989, Leipzig) lebt und arbeitet in Berlin. Mit Animation, Video,Virtual Reality, Found Footage und Zeichnung schafft sie Parallelwelten, indem sie gegensätzliche Kontexte umwandelt oder neu kombiniert. Kennedys Fokus auf Körperlichkeit, schwarzen Humor und verstörende Elemente thematisiert menschliche und tierische Sehnsüchte.
Zusammen mit Swan Collective bilden sie kennedy+swan (gegründet 2013). Ihre Video- und Virtual-Reality-Arbeiten beschäftigen sich mit der Zukunft der Evolution und deren Auswirkungen auf Pflanzen, Tiere und Menschen. kennedy+swan stellen sich utopische Welten vor, in denen der Mensch keine Vormachtstellung mehr einnimmt.
Kennedy hat international in Museen und auf Festivals ausgestellt. Zu den jüngsten Ausstellungen zählen u. a. Lyon Biennale (2022), SCAD Museum of Art (2021), Krinzinger Schottenfeld Wien (2021), Museum der bildenden Künste Leipzig (2020), CCBB Rio de Janeiro (2019) und das Sundance Film Festival (2020).
Bianca Kennedy (b. 1989, Leipzig) lives and works in Berlin. Mixing animation, video, virtual reality, found footage and drawing, she creates parallel worlds by transforming or recombining opposing contexts. Kennedy's focus on physicality, black humour and disturbing elements addresses human and animal longings.
Working together with Swan Collective as kennedy+swan (founded in 2013), their video and virtual reality works address the future of evolution and its impact on plants, animals and humans. Through environmental storytelling, kennedy+swan imagine utopian worlds where human beings are no longer supreme.
Kennedy has shown in museums and festivals internationally. Recent exhibitions include those at Lyon Biennial (2022), SCAD Museum of Art (2021), Krinzinger Schottenfeld Vienna (2021), Kunsthalle Baden-Baden (2020), the Museum of Fine Arts in Leipzig (2020), CCBB Rio de Janeiro (2019), and Sundance Film Festival (2020), among others.
Steffen Köhn, Fragile Connections © Steffen Köhn
Steffen Köhn, PakeTown © Steffen Köhn
Steffen Köhn, Basic Necessities © Steffen Köhn
Steffen Köhn, Fragile Connections © Steffen Köhn
Steffen Köhn, Anthropologe, Filmemacher, Videokünstler / anthropologist, filmmaker, video artist
Steffen Köhn ist Filmemacher, Anthropologe und Videokünstler. Er nutzt ethnografische Methoden um gegenwärtige soziotechnische Landschaften zu verstehen. Für seine forschungsbasierten Video- und Installationsarbeiten kollaboriert er mit Designern, Softwareentwicklern oder Science-Fiction-Autoren, um Alternativen zu etablierten technologischen Machtverhältnissen zu erkunden. Seine Arbeiten wurden u.a. auf der Warschau Biennale, in der Akademie der Künste Berlin, im Kunsthaus Graz, auf der Vienna Art Week, im Hong Gah Museum Taipei, auf der Lulea Biennale und in den ethnologischen Museen von Kopenhagen und Dresden ausgestellt. Seine Filme wurden u. a. auf der Berlinale, dem Rotterdam International Film Festival und dem Word Film Festival Montreal gezeigt.
Steffen Köhn is a filmmaker, anthropologist and video artist who uses ethnography to understand contemporary sociotechnical landscapes. For his research-based video- and installation works he engages in local collaborations with digital workers, designers, fellow artists, software developers, or science fiction writers to explore viable alternatives to current distributions of technological access and arrangements of power. His works have been shown at Warsaw Biennial, the Academy of the Arts Berlin, Kunsthaus Graz, Vienna Art Week, Hong Gah Museum Taipei, Lulea Biennial, and the ethnographic museums of Copenhagen and Dresden. His films have been screened (among others) at the Berlinale, Rotterdam International Film Festival, and the Word Film Festival Montreal.
Nadine Kolodziey, Undrawn © Nadine Kolodziey
Nadine Kolodziey, Novum © Nadine Kolodziey
Nadine Kolodziey, Apple Bloom © Apple
Nadine Kolodziey, Undrawn © Nadine Kolodziey
Nadine Kolodziey, XR-Künstlerin / XR artist
Nadine Kolodziey ist XR Künstlerin und lebt in Frankfurt und Berlin. Sie arbeitet an der Schnittstelle von Digital und Analog mit dem Ziel, visuelle Erlebnisse zu schaffen. Ihre Arbeit ist digital, handgeschnitten, geschmolzen oder eine begehbare Installation. Kolodzieys Abschluss als Master of Art and Design an der HfG Offenbach widmet sich dem Bereich der visuellen Forschung. Materialien wie Kunststoff und Pixel werden kombiniert, die Community zur Teilnahme und zum Engagement mit der Arbeit eingeladen. Kolodziey war 2020 Teil der digitalen Ausstellung Messe St.Agnes der Galerie König in Berlin und ist seit 2019 Teil des Berliner KünstlerInnen Netzwerks Saloon Berlin. Sie interessiert sich für neue Herausforderungen, vertieft sich in AR. Kolodziey arbeitete für Kunden wie Apple, Meta, Google, Youtube, Page und die Zeit, seit 2018 ist sie Lehrbeauftragte für zeitgenössische Illustration an der HfG Offenbach am Main.
Nadine Kolodziey is a XR artist and illustrator based in Frankfurt and Berlin. She works at the intersection of digital and analog with the goal of creating visual experiences. She combines materials such as plastic and pixels to create work that is hand-cut, melted, or transformed into walkable augmented reality environments. She’s interested in new challenges, deep-diving in AR, and doing big-scale installations as well as projects in Japan in the future. Kolodziey has been part of Galerie Königs first digital selection‚ Messe in St.Agnes‘ 2020 and is part of the Berlin Saloon Artist network since 2019. Kolodziey worked for clients like Apple, Google, Youtube, Page and die Zeit, she is a teacher for contemporary illustration at HfG Offenbach am Main since 2018.
The Swan Collective, Ausstellungsansicht Mixed Realities, Kunstmuseum Stuttgart 2018 © The Swan Collective
The Swan Collective, All5 square © The Swan Collective
© The Swan Collective
The Swan Collective, Ausstellungsansicht Mixed Realities, Kunstmuseum Stuttgart 2018 © The Swan Collective
Felix Kraus / The Swan Collective, Künstlergruppe / artist group
Swan Collective's multidimensionales Oeuvre erforscht die Seele in einer artifiziellen Hülle, sucht nach dem Bewusstsein im Datenstrom. Wo fängt ein Raum das Denken an, wieso empfindet die App Klaustrophobie, wann zerbricht mein Avatar an der conditio humana? Analoge Architekturgemälde werden digitalisiert und liefern das Spielfeld für interaktive Virtual Reality-Erfahrungen. Romanauszüge des Autoren der Gruppe dienen als Screenplay der Animationen, die Mitglieder des Swan Collective führen als 3D-gescannte Charaktere durch die Abgründe der kommenden Technik(r)evolution und verbringen ein Parallel-Leben in der Virtualität. Doch was, wenn Künstliche Intelligenz lieber dumm geblieben wäre? Swan Collective ist das Pseudonym des Künstlers Felix Kraus. Er verkörpert dabei fünf unterschiedliche, von ihm geschaffene Alter Egos, die jeweils eine eigene Technik bedienen. So entstehen übergreifende Arbeiten aus Virtual und Augmented Reality, Malerei, Papierprägung, Literatur und Performance.
Zusammen mit Bianca Kennedy bilden sie kennedy+swan (gegründet 2013). Ihre Video- und Virtual-Reality-Arbeiten beschäftigen sich mit der Zukunft der Evolution und deren Auswirkungen auf Pflanzen, Tiere und Menschen. kennedy+swan stellen sich utopische Welten vor, in denen der Mensch keine Vormachtstellung mehr einnimmt.
Swan Collective's multidimensional oeuvre explores the soul in an artificial shell, searching for consciousness in the data stream. Where does a room start thinking, why does the app feel claustrophobic, when does my avatar break free from the human condition? Analog architectural paintings are digitized and provide the playing field for interactive virtual reality experiences. Book excerpts by the group's author serve as stories for the animations, and the members of the Swan Collective lead the way as 3D-scanned characters through the abysses of the coming technology (r)evolution and spend a parallel life in virtuality. But what if artificial intelligence had preferred to stay stupid? Swan Collective is the pseudonym of artist Felix Kraus. He embodies five different alter egos created by him, each of which uses their own technique. This results in overlapping works from virtual and augmented reality, painting, paper embossing, literature, and performance.
Working together with Bianca Kennedy as kennedy+swan (founded in 2013), their video and virtual reality works address the future of evolution and its impact on plants, animals and humans. Through environmental storytelling, kennedy+swan imagine utopian worlds where human beings are no longer supreme.
Sabrina Labis, Cookies, 2018 © Sabrina Labis
Sabrina Labis, Studio, 2018 © Sabrina Labis
Sabrina Labis, Ausstellungsansicht Solo OT Raum für aktuelle Kunst, 2018 © Sabrina Labis
Sabrina Labis, Cookies, 2018 © Sabrina Labis
Sabrina Labis, Künstlerin / artist
Sabrina Labis arbeitet mit Video, Installation und Performance. In ihrer künstlerischen Praxis befasst sie sich mit Konzepten und Prozessen digitaler Bilder, um über Wertesysteme, Geschlechterverhältnisse, Machtstrukturen und deren Mechanismen nachzudenken. Das Internet ist für sie eine wichtige Inspirations- und Materialquelle. Aus einer tiefgründigen Recherche entstehen poetische, multimediale Collagen, in denen sie Material unterschiedlichen Ursprungs verbindet und subjektive Erkenntnisse mit den Betrachter_innen teilt.
Sabrina Labis works with video, installation and performance. Her artistic practice deals with concepts and processes of digital imagery, which she uses to understand value systems, gender relations, power structures or visual and social mechanisms. In this context the internet is an important source of inspiration and material for her. From a profound research her poetic, multimedia pieces are a combination of divers materials through which she shares her subjective observations with the viewer.
@ Longolius
@ Longolius
Dr. Sonja Longolius, Leitung Literaturhaus Berlin / Director of the
Literaturhaus Berlin
Sonja Longolius leitet das Literaturhaus Berlin. Sie ist Literaturwissenschaftlerin und Kunsthistorikerin und interessiert sich u.a. für Kunst- und Literaturtheorie sowie zeitgenössische Kunst und Literatur.
Sonja Longolius is the director of the Literaturhaus Berlin. She is a literary scholar and art historian. Her interests include, among others, art and literary theory as well as contemporary art and literature.
Maryna Makarenko, Videonale17 © David Ertl
Maryna Makarenko: Jellyfish © Ioannis Kaltirimtzis
Maryna Makarenko, Playground © Maryna Makarenko
Maryna Makarenko, Videonale17 © David Ertl
Maryna Makarenko, Künstlerin / artist
Maryna Makarenko kombiniert Performance, Tanz und Bewegtbild, um Strukturen bestehender Ordnungen zu untersuchen. In ihren Arbeiten widmet sie sich der Verbindung zwischen Technologie, Geschlecht und Gefühlsökonomie. Sie verschränkt dokumentarische Elemente mit Fiktion, um parallele Erzählungen des Andersseins zu initiieren, die jenseits dominierender Modelle der Gegenwart erlebt werden.
Maryna Makarenko combines performance, dance and moving picture to examine structures of existing orders. In her works she explores interconnection between notions of technology, gender and economies of feelings. She entwines documentary elements with fiction to initiate parallel narratives of otherness experienced beyond dominating models of the present.
Teresa Mayr, Daumen Kylie (#16, #17) © Teresa Mayr
Teresa Mayr, Daumen Kylie (#8, #9) © Teresa Mayr
Teresa Mayr, horsetails, installation view © Lengler
Teresa Mayr, Daumen Kylie (#16, #17) © Teresa Mayr
Teresa Mayr, Künstlerin, Researcherin / artist, researcher
Teresa Mayr wurde 1992 in Friedberg/Bayern geboren. Von 2012 bis 2019 studierte sie Bildende Kunst an der Hochschule für Bildende Künste Dresden, Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle, Akademie der Bildenden Künste München sowie der Universität der Künste Berlin. 2019 schloss sie als Meisterschülerin bei Prof. Ina Weber an der UdK Berlin ab. Seit 2021 promoviert sie im Ph.D.-Programm Art+Design der Bauhaus-Universität Weimar.
Zeichnerisch befasst sich Teresa Mayr mit funktionalen Räumen. Bleistiftzeichnungen werden ergänzt um digitale Elemente. Die Konstruktionen überlagern sich, bilden Schichtungen. Oft ist unklar, ob es sich um physische oder virtuelle Geschehen handelt. Meist beides. In diesem fragmentarischen Gemisch verschwimmt dann alles, bisweilen kommt es zu Ausflockungen. Die Hefte horsetails (Pferdeschwänze) und Daumen, Kylie sind die ersten einer Reihe, die sich im Rahmen von Mayrs Ph.D.-Projekt aus medialer und bildtheoretischer Perspektive mit Graphical User Interfaces auseinandersetzt.
Teresa Mayr lebt und arbeitet in Berlin. Ihre Arbeit wurde u.a. ausgezeichnet mit dem Preis der Schulz- Stübner Stiftung und dem Young European Artist Trieste Contemporanea Award. Derzeit ist die Promotionsstipendiatin der Konrad-Adenauer Stiftung.
Teresa Mayr was born in 1992 in Friedberg/Bavaria. From 2012 to 2019 she studied Fine Arts at the Dresden University of Fine Arts, Burg Giebichenstein Academy of Fine Arts Halle, Academy of Fine Arts Munich and the Berlin University of the Arts. In 2019, she graduated as a master student with Prof. Ina Weber at the UdK Berlin. Since 2021, she has been pursuing a Ph.D. in the Art+Design program at Bauhaus University Weimar.
Drawing-wise, Teresa Mayr is concerned with functional spaces. Pencil drawings are supplemented by digital elements. The constructions overlap, forming layers. It is often unclear whether the events are physical or virtual. Mostly both. In this fragmentary mixture everything then blurs, sometimes flocculation occurs. The booklets horsetails (Pferdeschwänze) and Daumen, Kylie are the first in a series exploring Graphical User Interfaces from a media and image theory perspective as part of Mayr's Ph.D. project.
Teresa Mayr lives and works in Berlin. Her work has received awards including the Schulz-Stübner Foundation Prize and the Young European Artist Trieste Contemporanea Award. She is currently a doctoral fellow at the Konrad Adenauer Foundation.
Lauren Moffatt, The Unbinding © Lauren Moffatt, Le Fresnoy
Lauren Moffatt, Beyond the Rubicon © Lauen Moffatt
Lauren Moffatt, Beyond the Rubicon © Lauren Moffatt
Lauren Moffatt, The Unbinding © Lauren Moffatt, Le Fresnoy
Lauren Margaret Moffatt, Medienkünstlerin / media artist
Lauren Moffatt ist eine australische Künstlerin, die in ihren Arbeiten Video, Performance und immersive Technologien auslotet. Ihre Werke, die in Ausstellungen oft in mehreren Anordnungen parallel präsentiert werden, erkunden zeitgenössische Subjektivität, Vernetztheit und die Grenzbeziehungen physischer und virtueller Welten. Lauren beendete ihr Studium am College of Fine Arts in Sydney (AU), der Université Paris VIII (FR) und dem Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains (FR). Sie lebt und arbeitet in Berlin.
Lauren Moffatt is an Australian artist working between video, performance and immersive technologies. Her works, often presented in multiple forms, explore the paradoxical subjectivity of connected bodies and the friction at the frontiers between virtual and physical worlds. Lauren completed her studies at the College of Fine Arts (AU), Université Paris VIII (FR), and at Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains. She lives and works in Berlin.
Sarah Oh-Mock, you want it darker, flux4art © Dirk Übele
Sarah Oh-Mock, In between © Sarah Oh-Mock
Sarah Oh-Mock, In between © Sarah Oh-Mock
Sarah Oh-Mock, you want it darker, flux4art © Dirk Übele
Sarah Oh-Mock, Künstlerin / artist
Sarah Oh-Mock schloss ihr Studium der Medienkunst 2014 an der UDK Berlin als Meisterschülerin ab. Ihre surrealistischen Videoarbeiten, VR-Arbeiten, Installationen, Objekte, Fotografien und Zeichnungen behandeln die Beziehungen von Kultur, Künstlichkeit von urbanen Orten, Natur und dem Unbewussten. Die verschiedenen Medien, analoge sowie digitale Objekte werden dabei neu verknüpft. Sie wurde zahlreich ausgezeichnet, u.a. dem Heitland Honneur u. Emy Röder Preis, einem Arbeitsstipendium des Berliner Senats, Residency im Seoul_Art Space Geumcheon und DAAD-Stipendium. Ihre Arbeiten wurden in diversen Einzel- und Gruppenausstellungen u. Festivals präsentiert, u.a. TOTAL MUSEUM of contemporary art, Seoul, KOR, Torrance Art Museum Los Angeles, USA, Le OFF, Dak'Art Biennale, Dakar, SEN, EMAF, Dokfest, Athens Video Art Festival, KV Wolfenbüttel, HKW Berlin, EMAF. Sie leitet mit ihrem Partner den oMo artspace, arbeitet an der weissensee Kunsthochschule Berlin und ist Mitglied im Saloon Berlin.
Sarah Oh-Mock finished her studies of media art 2014 as Meisterschüler at the UDK Berlin 2014. Her surrealistic video works, VR-works, installations, objects, photographys and drawings are dealing with the relations between culture, artifiality of urban spaces, nature and the subconsciousness. Different media, analogue as well as digital objects are linked in a new way. She recieved several awards till now, i.a.: Heitland Honneur, DAAD- scholarship, Emy-Röder-award, Residency in Seoul Art Space_Geumcheon, scholarship for videoartists of the senate Berlin. Her works were exhibited in various solo- and group exhibitions as well as festivals, i.a. TOTAL MUSEUM of contemporary art, Seoul, KOR, Torrance Art Museum Los Angeles, USA, Le OFF, Dak'Art Biennale, Dakar, SEN, EMAF, Dokfest, Athens Video Art Festival, KV Wolfenbüttel, HKW Berlin, EMAF. She is running the oMo artspace together with her partner, is working at the weissensee kunsthochschule Berlin and is member of the Saloon Berlin.
Dani Ploeger, Laboratory Of Electronic Ageing © Dani Ploeger
Dani Ploeger, Our Values © Dani Ploeger
Dani Ploeger, ASSAULT © Alexia Manzano
Dani Ploeger, Laboratory Of Electronic Ageing © Dani Ploeger
Dani Ploeger, Künstler, Aktivist, Kulturwissenschaftler / artist, activist, cultural studies scholar
Dani untersucht Konfliktsituationen und Krisen am Rande der Hightech-Konsumkultur. Seine Arbeit betont sowohl die Fragilität als auch die rohe Materialität von Alltagstechnologien und hinterfragt das desinfizierte, utopische Marketing um Innovation. Er entwickelte eine VR-Installation, während er Soldaten in der Ost-Ukraine besuchte, er reiste zu Deponien in Nigeria, um Elektroschrott aus Europa zu sammeln, und hat Zeugen von US-Drohnenangriffen in Pakistan interviewt.
Dani explores situations of conflict and crisis on the fringes of high-tech consumer culture. His work emphasizes both the fragility and rawness of the materiality of everyday technologies, and questions the sanitized, utopian marketing around innovation. He has made a VR installation while embedded with frontline troops in East-Ukraine, travelled to dump sites in Nigeria to collect electronic waste originating from Europe, and interviewed witnesses of US drone attacks in Pakistan.
Alla Popp, House of Monstress Intelligenzia © Alla Popp
Alla Popp, Under the Sun 2119 © Alla Popp
Alla Popp, Queer Feminist AI © Alla Popp
Alla Popp, House of Monstress Intelligenzia © Alla Popp
Alla Popp, Künstlerin / artist
Alla Popp (kein Pronomen), geboren in Russland, studierte Alla Popp elektronische Medien und Performance an der HFG Offenbach, der Tongji-Universität Shanghai und der Athener Schule für Bildende Künste. Allas queer feministischer Blick konzentriert sich auf die Fortschritte in der digitalen Technologie - in einer Debatte mit Theorien und Phänomenen, die unsere Zukunftsvisionen prägen. Alla ist Teil der BBB_ duo, sowie dgtlfmnsm Kollektivs.
allapopp (no pronouns) is a digital media and performance artist from Kazan Russia. allapopp studied Electronic Media and Performance at the University of Art and Design Offenbach, Tongji University and Athens School of Fine arts. allapopp’s queer gaze focuses on tech-positive visions of the future and feminist perspectives on digital technologies. allapopp formally works at the intersection of digital media, performance and music, interactive live online & hybrid formats and experiences in VR, AR, XR and web. allapopp is part of the the interdisciplinary music and performance project BBB_ and Berlin based collective dgtl fmnsm
Laura Fong Prosper, Mucus Blood Milk © Eric Tschernow
Laura Fong Prosper, VIDA © Vassil Anastasov
Laura Fong Prosper, Memories Of Other Possible Futures, © Laura Fong Prosper, Tina Wilke, Matias Brunacci
Laura Fong Prosper, Mucus Blood Milk © Eric Tschernow
Laura Fong Prosper, Künstlerin und Filmemacherin / artist and filmmaker
Ihre Videoinstallationen und visuellen Essays behandeln Themen wie das kollektive Gedächtnis, Synkretismus und Feminismus und schaffen einen Dialog zwischen Medien, Zeit und Geschichten. In ihrer prozessorientierten Praxis verwendet sie gefundenes Filmmaterial, analoge Synthesizer und Filmkameras, während sie Video mit analogem Film und neuen digitalen Medien verwebt, um virtuelle Realitäten, Videokunst oder andere Formen des experimentellen Filmemachens zu schaffen.
Sie studierte Film an der International School of Film and TV of San Antonio de los Baños in Kuba (EICTV) und erhielt einen M.F.A. in New Media Art von der Bauhaus-Universität Weimar in Deutschland. Außerdem nahm sie an Stipendienprogrammen der Kunsthochschule für Medien (KHM) in Köln und der Tongji-Universität in Shanghai, China, teil. Ihre Arbeiten wurden u. a. im Centre Pompidou, Paris, im Museum of Modern Art Rio de Janeiro, im Museum of the Americas Washington DC, im San Antonio Museum of Art, im Museo de Arte Contemporáneo Panamá, im Centro Cultural de España Buenos Aires und in der Galerie im Turm Berlin gezeigt.
Her video installations and visual essays address themes such as the collective memory, syncretism and feminism while creating a dialogue between media, time and stories. She uses found footage, analog synthesizers and film cameras in her process-oriented practice, while interweaving video with analog film and new digital media to create virtual realities, video art or other forms of experimental filmmaking.
These observations bring a DIY approach to motion graphics design while conducting a personal research in media archaeology as a recycler of audiovisual material and gear.She studied Film in the International School of Film and TV of San Antonio de los Baños in Cuba (EICTV) and received a M.F.A. in New Media Art from the Bauhaus University Weimar in Germany. She also took part in fellowship programs with the Kunsthochschule für Medien (KHM) in Cologne, Germany and the Tongji University in Shanghai, China. Her work has been shown in Centre Pompidou, Paris, Museum of Modern Art Rio de Janeiro, Museum of the Americas Washington DC, San Antonio Museum of Art, Museo de Arte Contemporáneo Panamá, Centro Cultural de España Buenos Aires, Galerie im Turm Berlin, amongst others.
Julia Charlotte Richter, You are the Center of the World © Julia Charlotte Richter
Julia Charlotte Richter, Point Blank © Julia Charlotte Richter
Julia Charlotte Richter, Promised Land © Julia Charlotte Richter
Julia Charlotte Richter, You are the Center of the World © Julia Charlotte Richter
Julia Charlotte Richter, Künstlerin / artist
Meine Videoarbeiten beschäftigen sich mit den Konflikten und Auseinandersetzungen, die sich im Gestaltungsprozess individueller Lebensentwürfe und der Sehnsucht nach einer erfüllten Existenz entwickeln. So sondiere ich Gegenwart in verschiedenen Stadien von Alter und Bewusstsein, und versuche zu zeigen, wie sich die Ebenen – das Sein, das Verhalten, Wünsche und Begehren – vermischen. In sensibel arrangierte Szenen enstehen metaphorische Orte des Übergangs.
My video works deal with the struggles and emotional conflicts that occur in the process of forming a fulfilled existence. I explore the meaning of present in different stages of age and awareness, and depict how consciousness, behavior, wishes and desires blend together. On the basis of sensitively arranged scenes, I create metaphorical places of transition.
RESET III and Virtual Reality, PRISKA PASQUER, Köln, 2017, Photo © Nathan Ishar
Speculative Cultures, curated by Tina Sauerlaender, Peggy Schoenegge, and Erandy Vergara, Anna-Maria and Stephen Kellen Gallery, Sheila C. Johnson Design Center, Parsons/The New School, 2019, Photo © Marc Tatti
Pendoran Vinci, curated by Tina Sauerlaender & Peggy Schoenegge, NRW Forum Düsseldorf, 2017, Photo © J. Pegman
RESET III and Virtual Reality, PRISKA PASQUER, Köln, 2017, Photo © Nathan Ishar
Tina Sauerländer, director & head curator, peer to space
Die Kunsthistorikerin Tina Sauerländer arbeitet international als freie Kuratorin. Zu ihren inhaltlichen Schwerpunkten gehört zudem der Einfluss des Internet und des Digitalen auf unsere persönliche Lebenswelt und Gesellschaft. Sie kuratierte Ausstellungen zum Thema Virtual Reality (VR) in New York (Parsons/The New School) oder Basel (Haus der elektronischen Künste). Sie ist Mitbegründerin der Ausstellungsplattform peer to space und der internationalen Online-Recherchedatenbank für VR-Kunst, Radiance. Sie ist PhD-Kandidatin an der Kunstuniversität Linz.
Art historian Tina Sauerlaender works internationally as an independent curator and speaker. Her thematic focus includes the influence of the Internet and the digital on both society and our personal environments as well as Virtual Reality in visual arts. She has curated exhibitions on Virtual Reality (VR) in New York (Parsons/The New School) or Basel (House of Electronic Arts Basel). She is the co-founder of the exhibition platform peer to space and of the online research database for VR art, Radiance. She is a PhD candidate at the Kunstuniversität Linz.
Anke Schiemann, Cassandra Rooms © Anke Schiemann
Anke Schiemann, OBE2 © Anke Schiemann
Anke Schiemann, Litfass © Anke Schiemann
Anke Schiemann, Cassandra Rooms © Anke Schiemann
Anke Schiemann, Medienkünstlerin, Filmemacherin / media artist, filmmaker
Als Medienkünstlerin und Filmemacherin interessiert sich Anke neue Wege des Erzählens zu erforschen und sie zu immersiven, sensorischen Installationen zu formen. Sie beschäftigt mich vorrangig mit XR, wo eine mediale Sprache noch nicht etabliert ist und viel Spielraum für Experimente lässt. In all ihren Arbeiten dient die Animation immer als Werkzeug, um ein surreales Element einzubringen und um ihre künstlerische Praxis wie Zeichnen oder Malen in ein filmisches Erlebnis mit einfließen zu lassen. Ankes Hintergrund in Set Design hilft ihr dabei die Bühne für diese Momente verzerrter Realität zu gestalten. Sie ist Stipendiatin des britischen Arts and Humanities Research Council und des Deutschen Künstlerbundes. Schiemanns Arbeiten wurden auf Festivals und Ausstellungen in der ganzen Welt gezeigt, darunter das Laval Virtual Recto VRso, SAT Montreal, Stuttgarter Filmwinter, Encounters Film Festival und das Performing Arts Festival Berlin.
As a media artist and filmmaker, Anke is interested in exploring new ways of narrative and shape them to immersive, sensory installations. he to experiment with XR, where grammar is not established yet and much scope for experimentation to be found. Throughout all her works, animation always serves as a tool to inject a surreal element and bring fine art practice such as drawing and painting into the filmic experience. Anke's background as a set designer helps her to design the stage for these moments of distorted reality to take place. She received scholarships from the British Arts and Humanities Research Council and the German BKM. Schiemann’s works have been shown at festivals and exhibitions around the world including the Laval Virtual Recto VRso, SAT Montreal, Stuttgarter Filmwinter, Encounters Film Festival and the Performing Arts Festival Berlin just to name a view.
Miriam Schmidtke, Our sleep is more fragile than we are, Schauspielerin Anna-Maria Hadorn © Miriam Schmidtke
Miriam Schmidtke, Mediating two sides of an action in one space, Schauspielerin Sophie Bogdan © Miriam Schmidtke
Miriam Schmidtke with Ivanka Penjak and Anna Reinhardtz, Kalte Zutat © Ivanka Penjak
Miriam Schmidtke, Our sleep is more fragile than we are, Schauspielerin Anna-Maria Hadorn © Miriam Schmidtke
Miriam Schmidtke, Medienkünstlerin und Regisseurin / media artist and director
Miriam Schmidtke studierte Raumszenarien, Bühnenbild sowie Bildhauerei in Berlin und Tokio. Ihre Arbeiten bewegen sich an der Schnittstelle von Regie, Choreografie, Skulptur und Video. Schwerpunkt ihrer Installationen und Inszenierungen ist die Performance von Frauenfiguren in der postmodernen Gesellschaft. Dabei sind hyperchoreografierte Bewegungsabläufe, synchronisierte Videoloops und gebaute Räume wiederkehrende Schlüsselelemente in ihrer Arbeitspraxis. Sie lebt und arbeitet in Berlin und Wien.
Miriam Schmidtke studied Spatial Art, Stage Design as well as Sculpture in Berlin and Tokyo. She is working at the intersection of directing, choreography, sculpture and video. Her body of work particularly deals with the performance of female characters in postmodern society. Hyper-choreographed motion sequences, synchronized video-channels and built spaces are a recurring key element of her installations and her stage productions. She lives and works in Berlin and Vienna.
Speculative Cultures © Marc Tatti
Speculative Species © Peggy Schoenegge
This Could Be You © Peggy Schoenegge
Speculative Cultures © Marc Tatti
Peggy Schoenegge, Kuratorin, Autorin, Rednerin / curator, writer, speaker
Peggy Schoenegge ist freie Kuratorin, Autorin, Speaker und Projektmanagerin der Ausstellungsplattform peer to space sowie Vorstandsvorsitzende des medienkunstvereins. Ihre Arbeit befasst sich mit den Bedingungen und Herausforderungen der Digitalisierung und dessen Auswirkungen auf unser alltägliches Leben, unsere Gesellschaft und Kultur. Im Besonderen befasst sie sich mit Gender, Performance und künstliche Intelligenz, indem sie digitale Kunst, Internetkunst und Kunst mit neuen Medien wie VR oder AR in realen und virtuellen Ausstellungsräumen zeigt. Sie hält international Vorträge auf Konferenzen und Veranstaltungen wie dem VRHAM! Virtual Reality & Arts Festival, WISE Conference oder für das Goethe-Institut. Aktuell unterrichtet sie an der Hochschule Darmstadt im internationalen Studiengang der Expanded Reality.
Peggy Schoenegge is an independent curator, writer, speaker and project manager at peer to space as well as chairwoman of the media art association in Berlin. Her work deals with the conditions and challenges of digitalization and its effects on our everyday life, society and culture. Specifically, she addresses gender, performance, and artificial intelligence by curating digital art, internet art and art with new media such as VR or AR in both real and virtual exhibition spaces. She gives lectures and participates in panel discussions internationally at conferences and events such as the VRHAM! Virtual Reality & Arts Festival, WISE Conference or for the Goethe-Institute. Currently she teaches at the University of Applied Sciences Darmstadt in expanded reality.
Clemens Schöll, Blickregime © Julie Hart, Clemens Schöll
Clemens Schöll, Von Einem Der Auszog Eine Wohnung in Berlin zu finden 1.Akt © Ortrun Bargholz, Clemens Schöll
Clemens Schöll, Fragen zur Selbstwahrnehmung © THISISIFAKE
Clemens Schöll, Blickregime © Julie Hart, Clemens Schöll
Clemens Schöll, Medienkünstler / media artist
Clemens Schöll befragt als Medienkünstler das aktuelle Verhältnis von Technologie und Gesellschaft. Seine meist informationstechnologischen Arbeiten reichen von (VR-)Installationen über digitale (Netz-)Kunst bis hin zu Performances. Durch die Ästhetisierung komplexer Phänomene, die einemtechnischen Status Quo oder Entwicklungen inne liegen, schafft er neue Zugänge zu scheinbar unwegsamen Thematiken. Er studiert und studierte Kunst an der UdK Berlin, der HGB Leipzig und der FBAUL in Lissabon sowie Informatik an der TU Berlin.
Clemens Schöll is a media artist questioning the current relationship between technology and society. His work implies different formats of video, performance, net art and (virtual reality) installations. By aestheticizing complex phenomena inherent to a technological status quo or development, he generates new approaches to presumably inaccessible areas. Schöll studies and studied media art at UdK Berlin, HGB Leipzig and FBAUL in Lisbon and holds a degree in computer science from TU Berlin.
Theresa Schubert, Ooze © Theresa Schubert
Theresa Schubert, Glacier Trilogy Part 3 © Theresa Schubert
Theresa Schubert, Hyle © Andreas Baudisch
Theresa Schubert, Ooze © Theresa Schubert
Theresa Schubert, Künstlerin und Kuratorin / artist and curator
Theresa Schubert ist eine in Berlin lebende Künstlerin, die sich mit unkonventionellen Visionen von Natur, Technologie und dem Selbst auseinandersetzt. Sie promovierte in Medienkunst an der Bauhaus-Universität Weimar. Ihre Praxis kombiniert audiovisuelle und biologische Medien zu konzeptuellen und immersiven Installationen oder Performances. In einer Ästhetik zwischen Alchemie und Science Fiction hinterfragen ihre mehrfach preisgekrönten Arbeiten den Anthropozentrismus und ermöglichen alternative Visionen und neue Sinneserfahrungen. Ihre Praxis kombiniert audiovisuelle, algorithmische und biologische Medien zu konzeptuellen und immersiven Installationen oder Performances. Ihre neueren Werke verwenden hochauflösende Videoumgebungen und 3D-Laserscanning, um Wahrnehmungsmodi und die Mensch-Maschine-Beziehung in Hypertech-Gesellschaften zu hinterfragen. Ihre Arbeiten erhielten zahlreiche Preise, u.a. Award of Distinction des Japan Media Arts Festival 2022, eine Honorary Mention des Prix Ars Electronica 2021 und eine STARTS Prize 2021 Honorary Mention.
Theresa Schubert is a Berlin-based artist exploring unconventional visions of nature, technology and the self. She holds a PhD in Media Art from Bauhaus-University Weimar. Her work combines audiovisual and biomedia to conceptual and immersive installations or performances. In her artworks, living organisms, as well as algorithms and machine learning models, become meaningful co-creators, investigating the relationship of humans to their environment and the emergence of matter and meaning beyond the anthropos. She was awarded with an Award of Distinction at Japan Media Arts Festival 2022, a Honorary Mention at Prix Ars Electronica 2021 and a STARTS Prize 2021 Honorary Mention.
Dagmar Schürrer, Galaxy, Installation Shot Digital Humanity © Museum of Waste Changsha 2
Dagmar Schürrer, Virtualized, Installation Shot, Interweaving Spheres © Manja Ebert
Dagmar Schürrer, Virtualized (Videostill) © Dagmar Schürrer
Dagmar Schürrer, Galaxy, Installation Shot Digital Humanity © Museum of Waste Changsha 2
Dagmar Schürrer, Künstlerin / artist
Das digitale Bild ist ihr Material, um eine visuelle Sprache jenseits der analogen Wahrnehmung zu formen und über die eigentümlichen Eigenschaften und gesellschaftlichen und individuellen Implikationen des digitalen Raums zu reflektieren. Sie montiert gefundenes Filmmaterial, digital generierte Objekte und Animationen, Text, Zeichnungen und Sound zu vielschichtigen Video-Sound-Montagen, die an Malerei, Collage oder Poesie erinnern und sich in wechselnden Variationen entfalten, die auf dem Bildschirm, als Installationen oder in Kombination mit neuen Technologien wie Augmented Reality präsentiert werden.
The digital image is her material to form a visual language beyond analogue perception to reflect on the peculiar characteristics and societal and individual implications of digital space. She assembles found footage, digitally generated objects and animations, text, drawings and sound to form intricate video sound montages, evocative of painting, collage or poetry and unfolding in changing variations, which are presented on screen, as installations or combined with new technologies such as augmented reality.
Robert Seidel, Tempest, Digital Graffiti, Alys Beach © RobertSeidel
Robert Seidel, HYSTERESIS, Experimentalfilm © Robert Seidel
Robert Seidel, Bifurcation Chamber, KV Ludwigsburg © Robert Seidel
Robert Seidel, Tempest, Digital Graffiti, Alys Beach © RobertSeidel
Robert Seidel, Künstler / artist
Robert Seidel (*1977) begann ein Biologie-Studium, wechselte an die Bauhaus-Universität Weimar und schloss dort mit einem Diplom in Mediengestaltung ab. Seine Projektionen, Installationen und Experimentalfilme wurden auf zahlreichen internationalen Festivals, in Galerien und in Museen wie dem Palais des Beaux-Arts Lille, ZKM Karlsruhe, Art Center Nabi Seoul, Young Projects Los Angeles, Museum of Image and Sound São Paulo und MOCA Taipeh gezeigt. Die Arbeiten wurden mit verschiedenen Preisen ausgezeichnet, etwa dem Ehrenpreis der KunstFilmBiennale und dem Visual Music Award Frankfurt.
Seidel ist an der Grenzerweiterung von abstrahierter Schönheit durch kinematographische, technologische und wissenschaftliche Ansätze und deren emotionaler Wirkung interessiert. Im organischen Zusammenspiel verschiedener struktureller, räumlicher und zeitlicher Konzepte erzeugt er eine sich ständig transformierende Komplexität. Deren mehrfach facettierte Perspektive bildet das narrative Grundgerüst, welches die Betrachter*innen auf einer evolutionär entstandenen und phylogenetisch verankerten symbolischen Ebene anspricht. Robert Seidel lebt und arbeitet in Berlin und Jena als Künstler sowie Kurator.
Robert Seidel (*1977) began his studies in biology before transferring to the Bauhaus University Weimar to complete his degree in media design. His projections, installations and experimental films have been shown in numerous international festivals, as well as at galleries and museums such as the Palais des Beaux-Arts Lille, ZKM Karlsruhe, Art Center Nabi Seoul, Young Projects Los Angeles, Museum of Image and Sound São Paulo and MOCA Taipei. His works have been honoured with various prizes, including the KunstFilmBiennale Honorary Award and the Visual Music Award Frankfurt.
In his work Seidel is interested in pushing the boundaries of abstracted beauty through cinematographic approaches, as well as ones drawn from science and technology. By the organic interplay of various structural, spatial and temporal concepts, he creates a continuously evolving complexity. Out of this multifaceted perspective emerges a narrative skeleton, through which viewers connects to the artwork on an evolutionary-derived and phylogenetic-fixated symbolic level. Robert Seidel lives and works in Berlin and Jena as an artist as well as a curator.
www.robertseidel.com
© Liudmila Siewerski
© Liudmila Siewerski
© Liudmila Siewerski
© Liudmila Siewerski
Liudmila Siewerski, Multimedia-Künstlerin / multimedia artist
Liudmila Siewerski ist eine Multimedia-Künstlerin, deren Arbeiten ortsspezifische Mehrkanal-Videoinstallationen, Lichtskulpturen, audiovisuelle Live-Performances und Mapping-Projektionen umfassen. Sie schloss ihr Studium an der Helsinki Academy of Fine Arts mit dem MFA ab und erwarb eine Zusatzqualifikation ("Meisterschülerin") an der Universität der Künste Berlin. Sie nahm an mehreren Workshops und Residenzen teil, u.a. Dokumenta XIII in Kassel, Pori AIR (Aalto Universität, Finnland), Summer Art School in Sremcki Karlovci (Universität der Künste in Belgrad), Challenge my fantasy more (Parkaue Theater, Berlin), Summer Art School im Museum für Kosmonautik.
Liudmila Siewerski is a multimedia artist who's works include multi-channel site-specific video installations, light sculptures, live audiovisual performances, mapping projections. She graduated with MFA degree from Helsinki Academy of Fine Arts and got additional qualification („Meisterschülerin“ degree) at the University of Arts Berlin. She participates in several workshops and residencies, including Dokumenta XIII in Kassel, Pori AIR (Aalto University, Finland), Summer Art School in Sremcki Karlovci (University of Arts in Berlgrad), Challenge my fantasy more (Parkaue Theatre, Berlin), Summer Art School at Museum of Cosmonautics.
Daniel Theiler, GGR © Sebastian Willnow
Daniel Theiler, Der Neue Fritz © Daniel Theiler
Daniel Theiler, When Feathers Fly © Daniel Theiler
Daniel Theiler, GGR © Sebastian Willnow
Daniel Theiler, Bildender Künstler, Architekt, Filmemacher / artist, architect, filmmaker
Daniel Theiler ist ein deutsch-türkischer bildender Künstler, Filmemacher und Architekt. Er war Meisterschüler bei Nina Fischer in Kunst und Medien an der UdK Berlin. Theilers konzeptionelle und ortsspezifische Kunst untersucht Räume und ihre Einbettung in historische und kulturelle Kontexte mit analogen und digitalen Medien, die von Video, Fotografie und Skulptur bis hin zu öffentlichen Interventionen und Websites reichen, was häufig zu hybriden Arbeiten führt, die verschiedene Medien kombinieren.
Daniel Theiler is a German-Turkish visual artist, filmmaker, and architect. He graduated as Meisterschüler of Nina Fischer in Art and Media at UdK Berlin. Theiler’s conceptual and site-specific art examines spaces and their embeddedness in historic and cultural contexts with analog and digital media ranging from video, photography and sculpture to public interventions and websites, which frequently results in hybrid works combining different media.
Ivonne Thein, TECHNO BODIES © IvonneThein, VG Bildkunst Bonn
Ivonne Thein, Embodied © IvonneThein, VG Bildkunst Bonn
Ivonne Thein, How not to be seen as a body I © IvonneThein, VG Bildkunst Bonn
Ivonne Thein, TECHNO BODIES © IvonneThein, VG Bildkunst Bonn
Ivonne Thein, Künstlerin / artist
Ivonne Thein, studierte Fotografie und Film an der Fachhochschule Dortmund und Freie Kunst and der RMIT University Melbourne bei Lyndal Walker. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen internationalen Ausstellungen unter anderem im Centre Pompidou Paris, Fotomuseum Winterthur, Kunsthalle Karlsruhe, Lentos Linz, CO Berlin, Kunsthalle zu Kiel, Deutsches Hygienemuseum Dresden und Amelie A. Wallace Gallery New York gezeigt. Thein erhielt diverse Stipendien z.B. ein Projektstipendium des BBK Bundesverband / Neustart Kultur (2020 - 2021) zwei halbjährige Arbeitsstipendien der Stiftung Kunstfonds / Neustart Kultur (2020 und 2022) und ein einjähriges Arbeitsstipendium der Stiftung Kunstfonds (2019). 2008 war sie Preisträgerin des C/O Berlin Talent Award. In ihrer multidisziplinären Praxis beschäftigt sie sich mit unserer gesellschaftlichen und politischen Vorstellung vom menschlichen Körper und dem Wandel unserer zeitgenössischen Körperbildes im digitalen Zeitalter. Sie bedient sich einer vielzahl an Medien wie Videos, Skulpturen, Fotografie, digitale Technologien (KI Systeme) und Installationen um sich dem Thema Körper bezogen auf Themen wie Vergänglichkeit, Geschlechterrollen oder Posthumanismus zu nähern.
Ivonne Thein studied photography and film at the Dortmund University of Applied Sciences and fine arts at the RMIT University Melbourne with Lyndal Walker. Her work has been shown in numerous international exhibitions at the Center Pompidou Paris, Fotomuseum Winterthur, Kunsthalle Karlsruhe, Lentos Linz, CO Berlin, Kunsthalle zu Kiel, Deutsches Hygienemuseum Dresden and Amelie A. Wallace Gallery New York. Thein received various grants, e.g. a project grant from the BBK Bundesverband / Neustart Kultur (2020 - 2021) two six-month work grants from the Stiftung Kunstfonds / Neustart Kultur (2020 and 2022) and a one-year working grant from the Stiftung Kunstfonds (2019). In 2008 she was the winner of the C/O Berlin Talent Award. In her multidisciplinary practice she deals with our social and political conception of the human body and the change in our contemporary body image in the digital age. She uses a variety of media such as videos, sculptures, photography, digital technologies (AI systems) and installations related to the theme of the body to approach topics such as transience, gender roles or posthumanism.
Clarissa Thieme, Vremeplov Time Machine © Clarissa Thieme
Clarissa Thieme, Die DDR Hat Es Nie Gegeben – Appell © Clarissa Thieme
Clarissa Thieme, Can’t You See Them – Repeat. © Clarissa Thieme
Clarissa Thieme, Vremeplov Time Machine © Clarissa Thieme
Clarissa Thieme, Künstlerin und Filmemacherin / artist and filmmaker
Clarissa Thieme ist Künstlerin und Filmemacherin. Sie arbeitet mit Film, Fotografie, Performance, Installation und Text und kombiniert dokumentarische und fiktive Formen, die sich auf Erinnerungsprozesse, Identitätspolitik und Übersetzungsstrategien konzentrieren. Ihre künstlerische Praxis ist forschungsorientiert und geht oft von einem kollaborativen Ansatz aus. Thieme ist Alumni des Berlin Center for Advanced Studies in Arts and Sciences (BAS), studierte Kulturwissenschaften sowie Medienkunst an der Universität der Künste Berlin (UdK).
Clarissa Thieme is an artist and filmmaker. working across film, photography, performance, installation and text, she combines documentary and fictional forms focussing on processes of memory, politics of identity and strategies of translation. her practice is research-based and often takes a collaborative approach. Thieme is alumni of the Berlin Center for Advanced Studies in Arts and Sciences (BAS), holdes a MA in Cultural Studies and studied Media Art at the University of the Arts Berlin (UdK).
Manuel Tozzi, Romantische Maschine © Kunstverein Salzburg, 2022
Manuel Tozzi, Romantische Maschine © Kunstverein Salzburg, 2022
Manuel Tozzi, Medienkünstler / media artist
Manuel Tozzi (geboren 1994 in Salzburg, Österreich) arbeitet in Berlin und Salzburg. Er ist ein junger, visueller Künstler, der mit zeitbasierten Medien kinetische Skulpturen, Computeranimation und Installationen anfertigt. 2020 schloss Tozzi sein BFA Studium in Film und Animation an der Berliner Technischen Kunsthochschule ab. Im selben Jahr hielt er einen Vortrag über digitales Fashion Design an der Fachhochschule Bielefeld. Seine jüngsten Ausstellungen waren im Metaversum, in der Eigenheim Galerie Berlin und der Positions Art Fair zu sehen. Er war Artist in Residence an der Sommerakademie Salzburg und dem Kara Agora Art and Research Center. Zuletzt erhielt Tozzi das Startstipendium für Medienkunst des Bundesministeriums Österreich.
Manuel Tozzi (b. 1994) is an artist who grew up in Salzburg, Austria. Tozzi received his BFA in Film and Animation from the Berliner Technische Kunsthochschule in 2020. In the same year he lectured on digital fashion design at the University of Applied Sciences in Bielefeld. Recent group exhibitions include Salzburger Kunstverein, Austria, Centre Pompidou, Paris, Eigenheim Galerie, Berlin and Positions Art Fair, Berlin. He was an
artist in residence at Summer Academy Salzburg and Kara Agora Art and Research Center. Most recently, Tozzi received the Startstipendium für Medienkunst from the Austrian Federal Ministry
Philipp Valenta, Electric Landscape © Ali Altschaffel
Philipp Valenta, Electric Landscape © Philipp Valenta
Philipp Valenta, Potline © Ali Altschaffel
Philipp Valenta, Electric Landscape © Ali Altschaffel
Philipp Valenta, Künstler / artist
Philipp Valenta studierte Freie Kunst an der Bauhaus-Universität Weimar, der HAWK Hildesheim und der HBK Braunschweig und ist Meisterschüler von Thomas Rentmeister. In seiner künstlerischen Praxis reflektiert Valenta Wertvorstellungen und Wertschöpfungsprozesse konzeptuell in verschiedenen Medien mit Schwerpunkt auf Grafik, Video und performativ-bildhauerischen Techniken. Seine Arbeiten entstehen oft orts- und situationsbezogen. Er lebt und arbeitet in Hildesheim und Oberhausen.
Philipp Valenta studied Fine Art at Bauhaus-University Weimar, HAWK Hildesheim and the Academy of Fine Art Braunschweig and is master student of Thomas Rentmeister. In his work he reflects upon definitions and the generation of values conceptually in different media, with emphasis on drawing, video and performative-sculptural techniques. His works are often conceived site- and situation-specific. He lives and works in Hildesheim and Oberhausen.
Tina Wilke, Habitat of airless co-creation © Tina Wilke
Tina Wilke, Restless Monuments © Tina Wilke
Tina Wilke, Santa Colonia © Tina Wilke
Tina Wilke, Habitat of airless co-creation © Tina Wilke
Tina Wilke, Künstlerin / artist
Tina Wilke ist eine interdisziplinäre Künstlerin, Filmemacherin und Aktivistin aus Ost-Berlin, die zu den Themen kollektives Gedächtnis, postmoderne Glaubenssysteme und dekoloniale Methoden der Gemeinschaftsbildung arbeitet. In ihrer hybriden Praxis vermischt und überlagert sie organisches Material und Found Footage mit digitalen neuen Medien in Installationen, Bühnen und experimentellen Filmformen und oszilliert dabei zwischen dem Angeeigneten und dem Eigenen, dem Historischen und dem Aktuellen, dem Analogen und dem Digitalen. Sie studierte Kunst und Medien an der Universität der Künste (Udk) Berlin und hat einen Master-Abschluss in Theater mit Neuen Medien und Interaktivität von der Universidad Nacional de las Artes (UNA) Buenos Aires. Ihre hauptsächlich kollektiv produzierten Arbeiten reichen von Virtual Reality, Essayfilmen, Performances, Theater und Installationen und wurden international gezeigt. Sie ist Mitglied im Berliner Medienkunstverein e.V. und Vorstandsmitglied des Vereins für sozial-ökologischen Wandel (VSOW e.V.).
Tina Wilke is an interdisciplinary artist, filmmaker and activist from East Berlin who works on the topics of collective memory, postmodern belief systems and decolonial methods of community building. In her hybrid practice she mixes and overlaps organic material and found footage with digital new media within installations, stages and experimental film forms, oscillating between the appropriated and the own, the historical and the current, the analogue and the digital.
She studied Art and Media at the University of the Arts (Udk) Berlin and has a master’s degree in Theatre with New Media and Interactivity from the Universidad Nacional de las Artes (UNA) Buenos Aires. Her mainly collectively produced works range from Virtual Reality, Essay Films, Performances, Theater and Installations and have been shown internationally. She is member of the Berlin based Medienkunstverein e.V. and board member of the association for social-ecological change (VSOW e.V.).
